Исторические платья всех эпох

Эволюция платья: из истории вещей

Аватар

Сначала — об этимологии, то есть, о происхождении слова.

Современное слово «платье» происходит от древне-русского «платиѥ», что означало «одежда». «Платиѥ» образовано от «платъ», или «плат». «Плат» же, в свою очередь, означает не только «платок» (не самое употребляемое в современном языке значение), но и «большой кусок полотна или холста». Таким образом, «платье» и «платок» — слова-родственники. Учёные сообщают, что слово «платье» было образовано от «плат» по тому же принципу, как множественное число слова «братья» — от «брат»: то есть, «платье» — это нечто, сделанное или собранное из нескольких «платов», кусков ткани.

История дефиле и Недель мод: от частных показов — до грандиозных шоу

Платье: история и эволюция понятия

Эволюция платья: из истории вещей

Эволюция платья: из истории вещей

Произнося сегодня «платье», мы чаще всего имеем в виду вполне определённую вещь: предмет женского гардероба с лифом и юбкой (остальное — опционально). Между тем, словом «платье» обозначали в принципе любую одежду, носимую поверх белья, как мужскую, так и женскую, ещё совсем недавно, несколько десятилетий назад. Например, толковые словари Ушакова и Ожегова дают оба понятия как равнозначные: и платье — как исключительно женский наряд, и платье — как собирательное обозначение одежды вообще. Возможно, сегодня второе значение звучит немного старомодно, но пока оно признано «рабочим»… Ещё в начале-середине прошлого века вполне можно было встретить, например, магазинную вывеску «Мужское и женское платье» — конечно, при этом имелась в виду одежда как общее понятие. При этом на заре своего существования платье — цельную одежду с верхом и юбкой — носили и мужчины, и женщины.

Эволюция платья: из истории вещей

Платья vs брюки: эволюция в течение тысячелетия

Считается, что платье «выросло» из древних плащей и накидок. Первый прообраз платья появился в Древней Греции: два куска ткани скреплялись булавками на плечах и поясом на талии. Византийцы впервые пришили к облачению с полноценными рукавами. Изначально платья носили все (в том числе исконный русский сарафан был одеждой и женской, и мужской). Брюки в принципе существовали, но были одеждой «специализированной», для тех, кто много ездил верхом (у тех же древних римлян одежда со штанинами считалась «варварской», относящейся к культуре варваров). Массово переодеваться из платьев в брюки мужчины стали только в Средние века — именно это время можно считать рождением платья как приближенного к современному понятия.

Эволюция платья: из истории вещей

Некоторые моменты эволюции женского платья, ека

История манекена: от деревянного истукана до арт-объекта

Предметом исключительно женского гардероба платье стало начиная с XV столетия. Характерно, что именно тогда оно стало значительно изменяться и усложняться — в общем, так или иначе украшаться. еках вошли в моду корсеты, пышные юбки и рукава. Театральное барокко в восемнадцатом столетии сменило более лёгкое рококо, ещё через сто лет в моду вернулись более простые силуэты. Каркасы платьев стали облегчаться, однако кринолины, тюрнюры, нижние юбки всё же делали наряды достаточно «неповоротливыми» и сложными.

Революция случилась в ХХ веке: сначала платья освободили от корсетного верха и множества нижних юбок, затем начала уменьшаться длина. Сначала даже демонстрация лодыжек производила сенсацию, но в 1920-х в моду пришли платья до колена и чуть выше.

Эволюция платья: из истории вещей

Эволюция платья: из истории вещей

Эволюция платья: из истории вещей

Эволюция платья: из истории вещей

Фото: lolita-wardrobe.tumblr.com, 2tout2rien.fr, pinterest.co.uk/ramneekkaurofficial

В 1926-м появилось маленькое чёрное платье — его придумала Коко Шанель. В 40-е были в моде пышные юбки и рукава-фонарики. Во времена мировых войн платья были простыми, до колена, прямоугольного силуэта. Женственность и шик вернулись в моду со стилем new look после войны благодаря Кристиану Диору. В 50-е распространились коктейльные платья. 60-е принесли платья-мини, 70-е — стили хиппи и диско, 80-е — поп-арт и геометричность. Начиная с 90-х мода на платья перестала быть столь однозначной. Последние три десятка лет модным может быть и платье в ретро-стиле, и совершенно современное, и длинное, и суперкороткое.

Исторические платья всех эпох

Такого понятия в одежде, как «платье», изначально не существовало, в прошлом и в Европе, и на Востоке носили рубашки и туники, различающиеся даже не фасоном, а материалом, отделкой и длиной. Само же понятие «платье» берет свое начало в Древнем Египте, именно женский калазирис является прототипом наряда. Выглядел он как прямая рубашка длиной примерно по щиколотку, имеющая бретели или вообще без них. Сейчас подобные наряды можно найти только в прокате исторических платьев или в магазине костюмов.

Основной одеждой в Древнем Риме и Греции была туника, универсальная вещь как для мужчин, так и для женщин. В те времена модные тенденции задавало тело человека, а не одежда, поэтому ткань из тонкой шерсти или льна просто драпировалась вокруг тела.

Само понятие исторического платья как женского наряда появилось только в IX веке, благодаря распространению христианской религии, в основе которой лежит разделение мужчин и женщин, их прав, обязанностей и положения в обществе. Если заниматься отслеживанием эволюции такого наряда, как платье, то делать это лучше по основным историческим эпохам.

Период раннего Средневековья

Этот период длился с VII по XII век, для него характерны смешения античных и византийских фасонов нарядов. Платье в это время представляло собой две туники, они надевались друг на друга. Материей для нижнего одеяния были шелк или лен, все зависело от положения в обществе. По сути, оно играло роль женского нижнего белья. Все мастера стремились сделать ткань как можно более приятной к телу и мягкой, поэтому ничем ее не украшали. Когда дело доходило до верхнего платья-туники, тут уже можно было разгуляться фантазии, но не слишком. Верхняя туника имела трапециевидную форму, а среди украшений можно было отметить вышивку по вороту, подолу и рукавам.

Средневековое платье

Таких понятий, как «лиф» и «юбка», не существовало в том периоде времени. Для того чтобы выделить талию, использовались пояса. Внешний вид пояса зависел от сословия женщины, простые крестьянки перетягивали талию кожаными полосками или плетеными шнурами, дамы побогаче украшали пояса пластинами из золота или серебра, покрытыми эмалью или искусной гравировкой, была возможна инкрустация полудрагоценными камнями.

Позднее Средневековье

Позднее средневековье длилось с XIII по XV век, ознаменовалось оно многочисленными Крестовыми походами и общим развитием торговли с соседними Восточными странами. Именно из-за этих факторов рынки и лавки пополнили ассортимент яркими тканями, очень дорогими по стоимости, такими как шелк и муслин. Конечно, если сравнивать с современными расцветками, то цветовая гамма была скудной, но по тем временам в жизнь аристократии вошло истинное многообразие цветов: вишневый, алый, синий, ярко-зеленый, желтый и многие другие.

Милое бальное платье

Этот период ознаменовал себя и развитием женского платья не только со стороны ткани, но и со стороны кроя. Появились разделения на лиф и юбку, а о богатстве платья можно было судить не только по отделке или поясу, но и по количеству дорогой ткани. Кроме того, в большинстве стран Европы того времени социальное положение женщины определяли еще и по количеству складок на юбке – чем больше, тем выше.

Эпоха Ренессанса

В Европе эта эпоха (XV – XVII века) ознаменовалось возвратом моды к идеалам античного времени – гармонии человеческого тела и его красоте. Женские платья в этот период должны были показать широкие плечи, небольшую грудь, белую кожу и тонкую талию. Именно в этот период началось четкое разделение на лиф, который должен был быть обязательно туго зашнурован и иметь овальное декольте, и длинную юбку.

Изменения коснулись и рукавов. Их делали таким образом, чтобы из проймы и на локтях были видны части нижнего белого платья. Изначально разрезы были выполнены вертикально или в форме овала, ромба, но позже портные наловчились делать более художественные варианты. Например, в конце XV века сами рукава уже перестали крепиться к лифу и держались исключительно на тонких полосках ткани или лентах.

Платье 15 века

В середине XVI века законодательницей моды становится Испания, и виденье женских бальных платьев меняется под напором золота из Нового света. Именно эта страна была менее всех привержена идеалам античности, из-за чего мода в Европе начала в корне изменяться. Под влиянием нового веяния силуэт платьев теряет женственность и гибкость, добавляются распорки и корсеты, из-за чего сами платья становятся более жесткими. Чем дальше, тем более абсурдными были наряды, а к концу столетия их уже и платьем назвать было нельзя, больше всего это напоминало переносной футляр для драгоценностей, витрину, а не платье. Кроме того, корсажи стали настолько тугими и жесткими, что могли посоревноваться в прочности с кирасой военных.

Конец века принес долгожданные изменения в моде, силуэты платьев вновь изменились, вернулись идеалы эпохи Возрождения. Это время становится переломным для женской моды, она становится более многогранной и сложной. Она стала отражать отличие жителей Европы как в религии, так и в классовой и расовой принадлежности. Тем более что между странами нарастает напряжение, противоречия усиливаются многочисленными войнами и междоусобицами.

Барокко

Именно в это время происходит зарождение известного стиля барокко, который стал господствующим в Европейских странах на долгие 150 лет. В переводе с итальянского название можно перевести как «вычурный», «странный». Что касается внешнего вида платьев в этом стиле, то происходит смягчение женского силуэта и усложнение кроя из-за многочисленных драпировок. Светлые и пастельные оттенки сменяют яркие и сочные цвета, становясь новым показателем положения в обществе. Светлые цвета играют роль символа женской нежности, непорочности и чистоты, а также кокетства.

Платье в стиле Барокко

Во времена господства стиля барокко с каждым годом рукава и юбки становятся все более объемными, а корсеты все больше подчеркивают талию. Со временем прибавляется все больше оборок, рюшей, но талия всегда тонка и изящна. В корсеты затягивались все женщины, имеющие сословное положение выше крестьян.

Рококо

Расцвет этого стиля приходится на времена воцарения на престоле короля Франции Людовика XV. Стиль приравнивается к самым роскошным и изысканным, являясь воплощением высокой культуры человека и его стремлению к удовольствиям жизни. Именно на это время приходится расцвет шитья и моделирования, что с тех пор стало приравниваться к искусству.

Читайте также  Сколько можно хранить грудное молоко в холодильнике

Платье в стиле Рокко

В жизнь высших аристократических кругов Европы прочно входят шелка, произведенные на мануфактурах Лиона. Отличительной чертой этого материала являлись экстравагантные расцветки. Женские исторические платья из лионского шелка украшались большим количеством оборок, воланов, лент, кружев и цветов. Приветствовался и декор из драгоценных и полудрагоценных материалов. Иконой стиля этого периода стала королевская фаворитка – маркиза де Помпадур, что интересно, у трона короля Франции она задержалась на достаточно долгое время.

выкройка платья

Возвращение к истокам

Французская революция принесла не только изменения в общественном строе, но и смену моды в странах Европы. Произошло очередное возвращение к античным идеалам. Среди многих особенностей женского платья выделились: поднятая линия талии, отсутствие нижней юбки и корсета. Это и есть исторические платья ампир. На это недолгое время из моды вышла тонкая талия, что позволило светским модницам расслабиться.

Романтический стиль

Приход этого стиля датируется 20-ми годами XIX века, и вновь эталоном женской красоты стала тонкая талия. Юбки нового фасона стали короче и расширились, своей формой стали напоминать колокол, а вот длинна стала меньше – по щиколотку. Типичным представителем рукава этого стиля можно назвать «баранью ногу», расширяющийся у плеча и становящийся полностью облегающим у кисти.

Большая грудь и ее акцентирование сыграло немаловажную роль в особенностях романтического стиля исторических бальных платьев. В моде были глубокие декольте, но показывать вырез можно было только вечером, в дневное время женщинам предписывалось носить пелерины и шали, закрывающие грудь.

Романтический стиль

Именно во времена царствования этого стиля появляются первые швейные мастерские, что значительно повышает доступность платьев и скорость смены модных тенденций. В этот период и начинается шитье по выкройкам исторических платьев. Например, уже в 50-е юбки стали украшаться горизонтальными оборками, рюшами и другими декоративными элементами из ткани, призванными подчеркнуть конический силуэт женского наряда. А вот конец 60-х стал началом уменьшения кринолинов, со временем им на смену и вовсе пришли турнюры – накладки на поясницу, призванные придать фигуре выразительность. Эта деталь женского исторического платья продержалась в моде вплоть до 80-х XIX века.

Прекрасная эпоха

Период между концом XIX и началом Первой мировой в 1914 году называют именно так. Почему? Именно тогда в моду вошли модели, полностью подчеркивающие все женственные изгибы тела. Платья были длинные и почти обтягивающие, мужчинам было на что любоваться. Но продлилось это недолго.

Вид платьев до первой мировой

Уже в 20-х прошлого века лиф платья стал таким, какой сделает плоской даже самую фигуристую девушку. Изменения коснулись и линии талии, она спустилась почти на бедра, сделав тем самым силуэт совсем не женственным. Этот период значим еще одним событием в мире моды – созданием маленького черного платья от Коко Шанель.

Дальнейшие изменения

Самым пагубным образом на женские модели платьев повлияла Вторая мировая война. Едва уйдя со школьной скамьи, девушки надевали форму и потом еще долгие годы искали интуитивно что-то похожее. Индустрия оправилась только в 50-х XX века – в моду вновь ворвались яркие цвета и пышные юбки. А вот 60–е порадовали не только женщин, но и мужчин, тогда и вошли в женский гардероб модели мини до середины бедер.

70-е – расцвет химической промышленности, а это значит, что женский гардероб и не только раскрасился новыми, еще более яркими оттенками. В моде были платья в стиле диско и блестящие материалы. Продлилось это недолго, вплоть до конца десятилетия. Уже в 80-х мода приняла более привычный для современного человека вид. Не стало единого стиля, женщины были вольны одеваться, как того захотят. Такие тенденции держаться до сих пор, при этом известные модельеры все равно периодически возвращаются к традиционным платьям прошедших веков.

Сейчас в современном обществе очень популярны тематические вечеринки, для них можно взять исторические платья напрокат. Постановки в театре, исторические сценки и многое другое требует знания о моде прошлых веков.

Как менялось платье от древности до наших дней?

Эволюция платья

Женские и мужские наряды в Древнем Египте шили из хлопка — этот материал стоит дешевле и чаще использовался, чем шелк. Последняя царица Египта Клеопатра, как и другие фараоны, носила платья исключительно из натурального льна: он высоко ценился и подчеркивал непростое происхождение обладателя такого наряда.

Эволюция платья

Древняя Греция

В 30 г. до н.э. жительницы Древней Греции слыли законодательницами мод — более того, некоторые детали их образов до сих пор периодически появляются на подиумах. Платья с высокой талией и множеством складок шили из шелка, чтобы они не доставляли никаких неудобств в жарком климате.

Раннее Средневековье

Пошив стал более замысловатым, да и ткани стали использоваться плотные и тяжелые — и они опять-таки должны были символизировать статус девушки, для которой платье было создано.

Эволюция платья

XVI век

Прошло несколько веков, но особых изменений в платьях не найти. Анна Болейн стала вдохновительницей «стиля Тюдоров», как его называют, с драпированными рукавами, бархатом и вышивкой драгоценными камнями.

Эволюция платья

XVII век

Объемные юбки и акцент на тонкую талию, которой добивались посредством шнурования корсета до полуобморочного состояния — главные тренды среди европейской знати.

Эволюция платья

XVIII век

Личную модистку Марии-Антуанетты называли «министром моды»: стоило Розе Бертэн создать наряд для королевы Франции, как придворные дамы тут же просили ее сшить что-то похожее. Пасторальным тонким платьям из муслина, получившим название «сорочка королевы» Мария-Антуанетта отдавала предпочтение во время утренних приемов, вечером же носила платья с басками и пышными юбками.

Эволюция платья

Середина XIX века

Война в США привнесла в моду прообраз современного total look: девушки из Америки ввели в Европе моду носить простые платья, сшитые из одного вида ткани, создавая разные образы при помощи аксессуаров.

Эволюция платья

Вторая половина XIX века

Открытые плечи и романтический стиль — символы эпохи возрождения интереса к дворцовой моде.

Эволюция платья

1900-е

Период завершения викторианской эпохи: высокие воротники еще в моде, но на смену им уже спешат кружева, оборки и украшения из перьев.

Эволюция платья

1910-е

Эдвардианская эпоха принесла моду на более удобные платья, не сковывавшие движения женщин. Кружево все еще пользовалось бешеной популярностью, как и приталенный силуэт, но в индустрии моды уже начала происходить революция — платья становились короче или обзаводились разрезами, облегающими движение.

Эволюция платья

1920-е

20-е годы прошлого столетия стали символом настоящего гламура и вечеринок в стиле «Великого Гэтсби». На пике моды в то время были многоярусные платья с бахромой, перьями, вышивкой и без рукавов.

Эволюция платья

1930-е

Противостоять внезапно возникшей популярности брюк могли только платья в стиле кэжуал: легкие, удобные, подходящие для работы и выхода в свет.

Эволюция платья

1940-е

В мире впервые заговорили об осознанном потреблении: военное время диктовало свои правила, поэтому платья шили из шерстяного полотна и парашютного шелка.

Эволюция платья

1950-е

Законодателем моды становится Кристиан Диор: его женственные силуэты были невероятно элегантны и превращали в принцессу любую представительницу прекрасного пола.

Эволюция платья

1960-е

Все равнялись на Жаклин Кеннеди, обожавшую платья-футляры, которые она дополняла классическими перчатками.

Эволюция платьев

1970-е

Американская пройма, пайетки и пояс на талии — Бьянку Джаггер можно назвать fashion-отличницей!

Эволюция платья

1985 год

Принцесса Диана лично доказала, что объемные плечи и яркие цвета могут смотреться не слишком броско и женственно.

Эволюция платья

Ранние 1990-е

Начало 90-х стало символом минимализма с его чистыми пастельными тонами и платьями на бретельках-спагетти.

Эволюция платья

Конец 1990-х

Период довольно противоречивых трендов: трикотажа (который сейчас ругает большинство стилистов!) и пестрых принтов вроде пейсли.

Эволюция платья

2005 год

Весьма смешанные чувства вызывали работы дизайнеров, в которых смешивалось сразу несколько тенденций: например, декольте и обилие сборок.

Эволюция платья

2010 год

2010-е стали временем всеобщего интереса к облегающим платьям — от кружевных до узнаваемых Herve Leger.

Эволюция платья

Сразу два знаковых символа конца 2010-х: наряды в стиле haute couture и эксперименты со сменой гендерных ролей.

Знаменитые платья в живописи, по которым можно судить, какой была мода эпохи

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

1. Ренессанс

Ренессанс был временем культурного и художественного возрождения, поскольку классицизм совершил революционное возвращение в европейские общества. Однако в этот период также произошли значительные изменения в моде. Посмотрите, как знаменитые платья на картинах повлияли на моду в эпоху Возрождения.

«Портрет четы Арнольфини» Яна ван Эйка является одним из основных элементов изучения ткани в портретной живописи. Изумрудно-зелёный цвет шерстяной одежды на женщине и рукава с подкладкой из горностая демонстрируют статус семьи, поскольку только богатые люди могли позволить себе подобного рода ткани. Шерсть, шёлк, бархат и мех были редкостью и более дорогими в производстве, по сравнению с хлопком или льном, и были символом статуса и достатка. Один из самых обсуждаемых вопросов, связанных с картиной, заключается в том, беременна ли изображённая женщина (предположительно жена Арнольфини). Юбки эпохи Возрождения были такими пышными и тяжёлыми, что женщины задирали их, чтобы было легче двигаться.

Добавленные пышные складки платья также показывают тенденцию к изображению женщин с ярко выраженным животом, поскольку это намекало на зачатие детей во время брака. Другой пример этого «Les Très Riches Heures du Duc de Berry» братьев Лимбург. На обоих изображениях женщины изображены с более округлыми животами. «Великолепный часослов герцога Беррийского» изображает свадьбу, и оно сопоставимо с портретом Арнольфини, поскольку обе женщины проецируют образ материнства в ожидании беременности. Не глядя на картину с современной точки зрения, можно увидеть это как запись того, что носили женщины и что было важно для людей, чтобы показать другим.

2. Периоды барокко и рококо

Периоды барокко и рококо характеризуются изысканным декором, декадансом и игривостью. Эти тенденции проявлялись не только в искусстве, но и в моде через замысловатые орнаменты и роскошные платья. Взгляните на некоторые из знаменитых платьев, вдохновлённых произведениями искусства.

Внимание неизвестного художника к деталям и к одежде — вот что делает картину «Элизабет Кларк Фрик (миссис Джон Фрик) и Малышка Мэри» важной записью жизни пуритан Новой Англии. В этом образе Элизабет одета в изысканные ткани и аксессуары Америки 1600-х годов. Её белый кружевной воротник указывает на популярное европейское кружево, встречающееся среди аристократических женщин. Из-под её платья виднеется вышитая золотом бархатная нижняя юбка, а рукава украшены лентами. Также на женщине есть украшения: жемчужное ожерелье, золотое кольцо и гранатовый браслет, что в свою очередь говорит о статусе и достатке. Эта картина предлагает уникальный взгляд на пуританскую жизнь Элизабет и её семьи.

Читайте также  Как избавиться от прыщей в переходном возрасте

Стоит также отметить тот факт, что художнику мастерски удалось смешать образы богатства в скромной обстановке. Картина ясно демонстрирует богатство Элизабет, подчёркивая её лучшую одежду и украшения. Это также отражает богатство её мужа, Джона Фрика, который мог позволить себе выполнять любые прихоти супруги, покупая ей различного рода наряды и украшения. Ко всему прочему картина символизирует их пуританское отношение благодарности к Богу, поскольку без Его благословения они не смогли бы иметь такую роскошь.

«Качели» Жана-Оноре Фрагонара — пример стиля рококо во французских аристократических кругах. Картина была частным заказом, когда французский придворный попросил художника написать свой портрет и портрет своей любовницы. Несмотря на то, что картина хранилась за закрытыми дверями, она раскрывает роскошь, легкомыслие и тайную природу французского королевского двора.

Пастельно-розовое платье выделяется среди пышного сада и находится в центре внимания. Жан нарисовал платье свободными мазками кисти, которые имитируют широкие юбки и оборчатый лиф её платья. Его свободная кисть совпадает с сюжетом этой идиллической садовой сцены, наполненной кокетливыми и причудливыми образами.

Его картина также демонстрирует тенденции, установленные во французском дворе для моды. Рококо превзошло моду, искусство и архитектуру, чтобы создать что-то уникально французское. Мода рококо включала в себя самые роскошные ткани, в том числе шелка пастельных тонов, бархат, кружева и цветочные узоры, а также чрезмерное количество бантов, драгоценных камней, оборок и декоративных украшений, чтобы создать образ, глядя на который, придворные и гости, сворачивали бы себе головы. Стиль определял разницу между бедными и богатыми, поскольку аристократия могла позволить себе роскошь изысканных тканей и украшений. Для женщин, носящих такие наряды в стиле рококо, картина является воплощением французского королевского двора до революции.

3. Знаменитые платья на картинах XIX века

В XIX веке произошёл художественный сдвиг от неоклассицизма к раннему модернизму, уступив место стилям и школам мысли. В этом столетии также произошли изменения в моде. Читайте дальше, чтобы увидеть, как картины повлияли на появление знаменитых платьев и стилей, которые были заметно более современными, чем раньше.

«Искусство ради искусства» стало связано с «Симфонией в белом № 1» Джеймса Эббота Мак-Нейла Уистлера, который намеревался придать картине духовный смысл. Критики, однако, не увидели всего этого, поскольку на картине была изображена любовница художника, одетая в лёгкое белое платье. В итоге, этот портрет стал скандальным. В течение 1800-х годов женская одежда часто включала нижнюю юбку с кринолином, сделанную из стали. Женщины также носили корсеты среди множества других предметов нижнего белья, чтобы иметь возможность создавать более широкие юбки.

«Женщина в белом» — полная противоположность тому, что было модным и статусным по тем временам. Платье главной героини, изображённой на картине, представляло собой своего рода нижнюю одежду, которую мог видеть либо муж, либо любовник, поскольку считалось, что такую одежду очень легко снять. Для Уистлера его муза должна была стать частью общей сцены, которая радовала глаз. Он изобразил Хиффернан такой, какой видел её, и для зрителей в то время картина была одновременно запутанной и немного неприличной. Тем не менее, с приходом 1900 года такое платье стало нормой для повседневного ношения.

Джеймс Тиссо создал множество картин, изображающих женскую моду в конце 1800-х годов. Он опередил европейскую моду и хорошо известен тем, что рисовал свои сюжеты с учётом последних модных тенденций. Женская мода начала меняться среди молодых леди в Париже и Лондоне в конце 1800-х годов. Широкие и тяжёлые юбки их викторианских предшественников были заменены более узкими с пышными складками сзади.

На картине «Мисс Ллойд» героиня одета в платье так, как его носили в обществе в то время, подчёркивая узкую талию и фигуру песочные часы. «Портрет Кэтлин Ньютон» (его тогдашней спутницы) – полная противоположность образу мисс Ллойд. Художник изобразил женщину в платье так, будто она излучает томность и соблазнительность. Тем не менее, у обеих женщин есть своё особое очарование и тайна, окружающая их. Само платье символизирует различия в популярной культуре в своё время. Один образ — традиционен и условен, в то время как другой — откровенно интимен и скандален для зрителей в 1800-х годах.

Джон Сингер Сарджент создал образ женщины, который, хотя и был неприемлем для его времени, стал одной из его самых узнаваемых и почитаемых картин. Это портрет мадам Виржини Готро, американской красавицы, смешанной с французским высшим обществом. Это вызвало такой скандал, что самому Джону пришлось уехать из Парижа в Лондон.

Её корсет чрезвычайно заострён к нижней половине живота. Острый глубокий v-образный вырез и расшитые бисером бретельки едва прикрывают плечи и обнажают то, что считалось интимными частями женщины, неуместными для демонстрации на публике. После того как Сарджент представил картину на Парижском салоне 1884 года, она вызвала возмущение критиков и зрителей, ведь негоже замужней женщине высшего класса быть в столь провокационно виде. Зрителям в Салоне показалось, что на героине картины надето нижнее бельё, а не платье. И репутация Готро в глазах людей стала скатываться к нулю, ведь многие считали её непристойной личностью. В конце концов Сарджент убрал её имя с портрета, переименовав его в «Мадам Х».

4. Знаменитые платья на картинах ХХ века

Искусство в ХХ веке было сосредоточено на абстракции и выражении, претерпевая значительные изменения с новыми стилями и темами. Это также привело к исследованию новых форм и синтезов моды и искусства. Здесь представлены знаменитые платья, изображённые на картинах в течение двадцатого века.

Золотое платье Адель Блох-Бауэр, по сравнению с другими нарядами дам из высшего общества её времени, выделяется среди остальных. Вместо того, чтобы изображать женщину из высшего класса, отдыхающую в саду или читающую на диване, Климт превращает Адель в потустороннюю фигуру. Её платье — это кружащаяся фигура, наполненная треугольниками, глазами, прямоугольниками и иконографией. Нет никаких признаков корсетов с прямой шнуровкой или слоёв одежды. Модерн содержит темы природы и мифические образы. Это также относится к богемной моде, которую Густав носил сам и использовал в различных других картинах.

Он часто рисовал рисунки, созданные модельером Эмили Флеге. Она не так хорошо известна в мире моды, как её современники или предшественники, но она сделала неплохой успех в создании моды для женщин своего времени. Временами это была совместная работа, поскольку Густав использовал её знаменитые платья и во многих других своих картинах.

Тамара Лемпицка создавала портреты, которые исследовали женственность и независимость в 1920-е годы. Художница в стиле ар-деко стала известна своими портретами знаменитостей, которые исследовали стилизованную и отшлифованную форму кубизма, ставшую её торговой маркой. Ира Перро (близкая подруга и, вероятно, любовница Лемпицки) рассматривается как буквальное проявление музыки в «La Musicienne». Что выделяет картину, так это её изображение синего платья. Техника Тамары отбрасывания резких теней с её насыщенной цветовой палитрой придаёт движение платью, так что кажется, будто оно парит в воздухе. Короткий подол платья и ниспадающие складки всё ещё напоминают о моде 1920-х годов, которая стала поворотным моментом в женской моде. Женщины носили платья, которые обнажали их ноги и руки, а также плиссированные юбки, в которых было легче танцевать.

Тамара вдохновлялась и изучала работы мастеров эпохи Возрождения и использовала аналогичные темы с современным подходом. Традиционно синий цвет можно увидеть на платьях Девы Марии на средневековых или ренессансных картинах. Ультрамариновый синий был редок и использовался для значительных картин.

Красочные и ручной работы мексиканские ткани вплетены в работы Фриды Кало. Она приняла эту одежду как часть своего наследия и носила её на многочисленных автопортретах и фотографиях. Знаменитые платья, показанные на картине «Две Фриды», символизируют её связи с обеими сторонами её европейского и мексиканского наследия.

Фрида слева отражает её воспитание в семье высшего среднего класса. Её отец был родом из Германии, и домашняя жизнь в детстве содержала западные обычаи. Белое кружево платья символизирует стиль, популярный в европейской моде. Эта вестернизированная версия контрастирует с желанием правой Фриды принять своё мексиканское наследие, надев традиционное платье. Эта одежда — то, что поощрялось её мужем Диего Риверой, особенно в их борьбе за перемены в своей стране. Платье демонстрировало её гордость за то, что она носит местную и традиционную одежду из Мексики.

Одежда Кало — важный аспект её жизни и работы. После того как в детстве она заболела полиомиелитом, и одна её нога стала короче другой, разноцветные юбки стали для неё способом скрыть свою ногу таким образом, чтобы защитить её от пристального внимания. В гардеробе художницы были платья из tehuana, блузки huipil, ребозо, украшенные цветами головные уборы и старинные украшения. Эти предметы одежды Кало, являются иллюстрацией её любви, боли и страданий, которые она включала в свои работы.

О том, как менялось кимоно на протяжении столетий и какую роль оно сыграло в искусстве и современной моде, читайте в следующей статье.

История в костюмах: реконструкция нарядов разных эпох

Наверняка каждый человек хоть раз в жизни испытывал желание побывать в другом времени и увидеть своими глазами, как тогда жили люди, как они выглядели и во что одевались. На YouTube-канале исторической реконструкции специалисты по истории моды и просто люди с золотыми руками воссоздают наряды разных эпох, позволяя зрителю разглядеть даже самые крошечные детали.

Костюм знатной жительницы Киева, конец Х века

В обществе состоятельных людей одежда была способом показать богатство и статус. Окрашенные в яркие цвета ткани одним своим видом заявляли, что у их хозяйки водятся деньги, ведь цветные красители были недешевым удовольствием.
Для оторочки нарядов использовали дорогую шелковую тесьму. А чтобы не разориться на шелке, украшали им только те части одежды, которые были видны. Вспомним Портоса с его перевязью, богато расшитой только спереди, а сзади выглядевшей обычным ремнем, — в те времена это было нормальной практикой по всему миру.

Читайте также  Покраска шатуш особенности и технология выполнения

Костюм богатой дамы состоял из верхней одежды, платья из тонкой шерсти и льняной нательной рубахи. Лен стоил недешево, и нижнее белье из этого материала (в особенности цветное) могли позволить себе лишь состоятельные люди. Подол и манжеты такой рубахи тоже оторачивали шелком.

Важны были и украшения. Особым шиком были стеклянные бусы: до XI века в Киеве не было стеклодувных мастерских, поэтому такие аксессуары привозили из других мест. Пальцы знатной дамы украшали серебряные перстни, а под верхней одеждой она носила нож. Необычный аксессуар для женщины? Только не в те времена. Нож стоил дорого, а значит, тоже был признаком хорошего достатка.
В качестве головного убора состоятельные дамы носили белое льняное полотно, а волосы придерживало очелье — налобная лента, украшенная шелком (опять же только с передней стороны) и изящной тесьмой, сотканной вручную из шелковых ниток и серебряной проволоки. Чтобы соткать 1 см такой тесьмы, у неопытного человека уйдет не меньше часа.

Средневековые капюшоны и их модификации


Этот головной убор называется «шаперон», на французский манер, или «худ» — на английский. Все раннее Средневековье люди проходили вот в таких простых, но практичных капюшонах с оплечьем.
В начале XIV века дизайн шаперона несколько изменился: пришла мода на двухцветную одежду, сшитую из 2 половинок контрастного цвета, а капюшон удлинился и «отрастил» длинный хвост, называемый лирипайпом. Его можно было обматывать вокруг шеи, наматывать на голову или завязывать узлами.
/>
Со временем дизайн шаперона становился все сложнее. Ближе к концу XIV века оплечье и хвост головного убора обзавелись фестонами — фигурно вырезанными краями ткани. Кроме того, появились и пуговицы, а значит, можно было не рисковать испортить прическу, натягивая шаперон через голову.
В самом конце XIV века капюшон пережил еще одну метаморфозу: кто-то придумал, что продевать голову можно в другое отверстие, и получился совершенно другой головной убор. Ткань на лбу обычно подворачивали, чтобы образовался небольшой валик, и мода на увеличение этого валика привела к тому, что его стали нашивать на шаперон отдельно. Получился вариант, который вы видите на правой фотографии. Таким образом, вот этот хитрый головной убор, который многие ошибочно называют тюрбаном, — прямой потомок того простого капюшона, что мы видели в самом начале.

Дамский наряд эпохи Тюдоров: что носили знатные женщины при дворе Генриха VIII


Считается, что этот стиль попал в Англию вместе с Анной Болейн. Она, прибывшая из Франции с сестрой Генриха VIII Марией Тюдор, выглядела как француженка. И хотя ее свадьба с королем состоялась только через 10 лет, стиль возлюбленной монарха оценили и переняли гораздо раньше.
Платье состояло из нескольких слоев. Сначала надевалась нательная рубашка, а поверх нее — стеганая юбка под названием «петтикот». Она создавала фирменный тюдоровский силуэт. На юбку надевалось нижнее платье с корсетом, называемое «киртл». Оно служило для того, чтобы утянуть талию и грудь дамы посильнее, ведь пышные формы в то время не жаловали. Поверх киртла надевали роскошное верхнее платье. Завязки у него были спереди, а закрывались они декоративным элементом под названием «плакард».
/>
Популярный тогда головной убор назывался «френч худ». Правда, надела первой и ввела моду на него не Анна Болейн, а сестра Генриха VIII, Мария.
Под рубашкой женщины носили шелковые чулки, которые крепились под коленями на подвязках. Панталон в Англии в те времена еще не было.
На ногах у знатных дам были вовсе не изящные лодочки, как нередко воображают себе люди. В эпоху Тюдоров женщины носили вот такие туфли, которые в шутку прозвали «коровьими мордами» (на фото справа).

Мода немецкого Ренессанса: стильный мужчина 1540-х


Яркая отличительная черта костюма тех времен — это верхняя одежда. В Германии она называлась «шаубе», а в Англии — «гоул». Чтобы добиться такой впечатляющей ширины плеч, в рукава вставлялись специальные распорки. Шаубе мужчины носили не только в Германии, но повсеместно. А еще эта одежда была очень статусной — скажем, ремесленнику надевать ее было запрещено.
Под верхнюю одежду мужчины, как правило, надевали куртку под названием «вамс». Она выполняла более функциональную роль, чем шаубе. Во-первых, в ней было тепло, а во-вторых, к ней на завязках крепились штаны. То есть для того, чтобы снять куртку, нужно было сначала отвязать ее от брюк.

Вышивка на льняной рубашке вошла в моду в начале XVI века, и каждое десятилетие были популярны определенные цвета и узоры. Например, в 1540-х это была вышивка синим по белому. Кстати, мужские и женские нижние рубашки в те времена были очень похожи между собой: они имели длину до пола и были богато украшены. А различить их можно было по одной детали: у женских в подол вшивались клинья, а у мужских вместо клиньев были разрезы.

Самая заметная черта мужских штанов в то время — это, конечно же, гульфик. С начала XVI века и еще долгое время после эта деталь в костюме намеренно подчеркивалась. Под гульфиком, кстати, ничего неприличного не скрывалось: лишь завязки на штанах и нательная рубашка.
Белые чулки на ногах у мужчины не были одним целым со штанами. Это отдельный элемент одежды, но раньше их могли пришивать к штанам временным стежком или же пришнуровывать. А чтобы чулки крепко держались на ногах, мужчины носили подвязки — точно такие же, как были и у женщин. И крепились они там же, где и у прекрасных дам, — под коленом.

Польская готика: как одевались в Кракове в начале XVI века


Это платье было реконструировано по миниатюре XVI века. Традиционные для готики элементы — треугольное декольте и завышенная линия талии. И хотя для Западной Европы фасон выглядит уже слегка старомодным, ведь в соседних странах талия уже возвращается на свое законное место, для восточной части Европы подобное в самый раз.
Под верхним платьем есть еще и нижнее. Лиф у него мягкий, ведь косточки, утягивающие силуэт, появятся лишь в середине XVI века. Кроме того, у него заниженная линия декольте — она нужна, чтобы продемонстрировать красивый декор на льняной рубашке.

Вспомним нижнее платье (киртл) тюдоровской эпохи — там завязки располагались сбоку, и даме помогали одеваться фрейлины. А тут — одежда жены ремесленника, и каждое утро она одевается сама, так что завязки расположены спереди.

Причудливый головной убор — это дань немецкой моде. Он представляет собой вуаль из тонкого льна и чепец, а если снять вуаль, под ней можно обнаружить пришитый к чепцу валик, благодаря которому головной убор и держит форму. Набивали такие валики легким материалом, чтобы они не тянули чепец на затылок и не открывали волосы, ведь для замужней дамы это неприемлемо.
Еще одна интересная деталь — разрезы на рукавах. В начале XVI века они были в моде, хотя нижнюю рубашку еще недавно вообще не принято было выставлять напоказ. Первыми осмелели итальянские дамы, а от них новая мода стремительно разлетелась по всему миру. Представьте, что вы сделали подобные разрезы на своем теплом пальто, — ведь это платье на фото, по сути, и есть верхняя одежда: оно сшито из шерсти.

Мягкие кожаные туфли носили еще с XV века, а чулки были скроены точно так же, как у знатных дам, только шили их из тонкой шерсти. Чтобы они плотнее облегали ногу, использовался косой крой и, конечно, подвязки.

Мужской костюм эпохи стиля ампир: мода джентльменов начала XIX века


Наряды мужчин не уступали в красоте дамским. Сверху всегда надевали фрак, карманы у которого располагались на спине из-за большого переднего выреза. Самыми модными цветами для фрака считались темно-синий, бутылочно-зеленый, коричневый и черный.
Под фрак джентльмены надевали жилет с карманами, в которых можно было хранить ценные мелочи, а для услаждения взора он нередко украшался вышивкой. Воротнику такого жилета, кстати, полагалось быть очень высоким и практически подпирать уши.

Под жилетом располагалось то, что мужчины могли демонстрировать только очень близким для них людям, — подтяжки. Красиво вышитые подтяжки дарила джентльмену невеста перед свадьбой.
В XIX веке мужская нижняя рубашка была довольно длинной: она могла доходить до середины бедра, и, если на джентльмене не было панталон, ее края подбирали между ног.

Деталь, заслуживающая отдельного рассмотрения, — шейный платок. Для вечера обязательно нужно было иметь платок из тонкой ткани белого цвета. У него был квадратный крой, и в ширину он мог достигать 1,5 м. Его складывали по диагонали, а затем сворачивали и наматывали вокруг шеи, завязывая аккуратным узелком.
В XIX веке мужчины уже вовсю носили брюки длиной до щиколотки, хотя некоторые и сохраняли пристрастие к бриджам до колена из прошлого столетия. Штаны застегивались спереди на пуговицы, а пуговицы прикрывались еще одним клапаном из ткани. Вниз, под брюки, надевали панталоны изо льна или из тонкого батиста.
На ногах у джентльменов были чулки и туфли. Чулки для вечера полагалось иметь шелковые, белого цвета — в этом плане за столетие ничего не изменилось, а вот мужские туфли к XIX веку окончательно избавились от каблуков.

Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!: